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Las figuras de la Natividad

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Emilio Solé

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Pastorcillo

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Lo que no se ha tratado hasta aquí es la iconografía del color , tienen un lenguaje propio y son portadores de un lenguaje místico, trascendente.

Empiezo por la Virgen Maria, en el arte cristiano el tema artístico de representar la Virgen Maria se le llama Arte mariano . La primera representación conocida la encontramos en las catacumbas romanas de Priscilla que datan de mediados del siglo II

 


Emilio Solé

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La Natividad de Jesús ha sido un tema importante del arte cristiano desde principios del siglo IV. Se ha representado en muchos medios diferentes, tanto pictóricos como escultóricos. Las formas pictóricas incluyen murales frescos y mosaicos, iluminaciones de manuscritos, vidrieras y pinturas en tabla con los distintos aglutinantes: al huevo, a la cola y a la caseína, y posteriormente en lienzos al óleo.

Los artistas occidentales adoptaron muchos de los elementos iconográficos bizantinos, pero prefirieron el establo escritural a la cueva, aunque la versión de Maestà de influencia bizantina de Duccio intenta tener ambos.

Virgen en el trono con el Niño, ángeles y santos, tabla central de la cara anterior de la Maestà, 1308-1311, Duccio, Temple sobre madera

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Durante el período gótico, en Europa del norte antes que en Italia, se desarrolla una mayor cercanía entre madre e hijo, y María comienza a abrazar a su bebé, o él la mira. La cercanía es muy inusual, pero a veces se muestra. Con la influenciada por la visión de la Natividad de Santa Brígida de Suecia (1303-1373), cambio todo radicalmente.

Natividad de noche ( c. 1490) de Geertgen tot Sint Jans

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Desde el siglo XV en adelante, la Adoración de los Magos y la Adoración de los pastores se convirtieron cada vez más en unas representaciones más frecuentes que la Natividad propiamente dicha. A partir del siglo XVI, la Natividad simple con solo la Sagrada Familia, se convierten en una clara minoría, aunque siempre hay excepciones como Caravaggio con un tratamiento más realista en la Adoración de los pastores, por ejemplo. 

CARAVAGGIO Adoration of the Shepherds 1609 Oil on canvas, 314 x 211 cm Museo Regionale, Messina

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L a representación de la Virgen tiene sus raíces en los iconos bizantinos , especialmente los creados en Constantinopla (Estambul), la capital de la civilización medieval más larga y perdurable cuyos iconos, como la Odigitria . Las representaciones occidentales siguieron influenciados y dependiendo en gran medida por los iconos bizantinos hasta al menos el siglo XIII. A finales de la Edad Media, la escuela cretense se influenciaron por el gran número de iconos importados, de esta forma los artistas pudieron adaptar su estilo a la iconografía occidental. En el período románico, las estatuas independientes, de la Virgen y el Niño entronizados fue una creación occidental original , ya que la escultura monumental estaba prohibida por la ortodoxia.


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Convencionalmente, el manto de la Virgen se pinta de azul y la túnica de rojo, aunque estos colores del ropaje pueden variar (por ejemplo, en las Madonnas de Jan van Eyck -Virgen del canciller Rolin, Virgen del canónigo Van der Paele-, con mantos rojos, o en las Inmaculadas de la primera mitad del siglo XVII (Francisco Pacheco) escuela Sevillana y que se repite con pocas variantes desde entonces, se determinó su representación como una mujer joven, con túnica blanca (símbolo de pureza) y manto azul (símbolo de eternidad) ).

Se han atribuido distintos valores alegóricos a la elección de esos colores (los asociados a los emperadores y las emperatrices bizantinos o la dualidad de naturalezas de Cristo), pero la minuciosidad de los contratos de encargo de las pinturas suele referirse a los pigmentos, de elevadísimos precios, que se usaban para conseguir ambos, en sutiles gamas (lapislázuli, ultramar, azurita, bermellón, púrpura, escarlata, carmesí, quermesita, carmín, etc.) y que dependiendo de su estabilidad, permanecen inalterados o se van deteriorando con el tiempo (o a causa de los barnices y restauraciones inadecuadas).

“... su durabilidad dependía también del método de preparación, las partículas inorgánicas que fijan el tinte, y el medio con el que se mezcla el pigmento. De manera general, las lacas, cuyos agentes colorantes suelen ser delicadas moléculas orgánicas, son más susceptibles de desvanecerse al estar expuestas a la luz que los pigmentos de base mineral. Estas transformaciones pueden subvertir completamente las intenciones del artista. En los siglos XIV y XV las figuras importantes de una escena religiosa, en particular Jesús y la Virgen María, solían ser representados con suntuosos mantos de púrpura. Estos se coloreaban comúnmente con ultramar mezclado o velado con laca roja. Pero en varios cuadros de esta época la laca roja se ha desvanecido por completo, dejando a los mantos de un color rosa pálido en las luces y los medios tonos (que contienen mucho plomo blanco) y un púrpura azuloso oscuro en las sombras y los pliegues, donde alguna vez hubo un oscuro ultramar. Uno de los ejemplos más impresionantes es la Virgen de la pantalla, pintado por un discípulo del pintor francés Robert Campin de Flémalle alrededor de 1440. El manto voluminoso de la Virgen llena casi toda la mitad inferior del cuadro, pero es casi tan pálido como el papel en lugar del malva cálido que tuvo antes.”

Philip Ball , La invención del color. 


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"a finales del siglo XVI escasearon durante algún tiempo los suministradores de azurita, y esto incrementó la demanda de ultramar, lo que significó que los italianos, a cuyos puertos llegaba, se apropiaron de la mayor parte. No está claro si ésta fue la razón de que Pieter Brueghel el Viejo no utilizara azurita ni ultramar sino esmaltín barato para la túnica de la virgen en La adoración de los Reyes (1564); pero casi un siglo después, el español Francisco Pacheco escribió que en España ni siquiera los pintores ricos podían conseguir ultramar") Philip Ball , La invención del color .


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Que nos cuenta Cennino Cennin i al respecto:

“CAPÍTULO LXII

De la naturaleza y modo de hacer azul de ultramar

Es el azul de ultramar un noble color, hermoso, perfectísimo sobre todos los demás, del cual nunca se acabará de decir en su pro . Y por esta excelencia suya te quiero hablar más largo y enseñarte cómo se hace. Y atiéndeme bien, pues ganarás honra y provecho. Y este color, junto con el oro (el cual florece en todos los trabajo del arte nuestra), sea en el muro, sea en la tabla, a todo trabajo responde….Pero ten en cuenta que los dos primeros extractos, si empleaste buen lapislázuli, valen a ocho ducados la onza; los últimos extractos son peores que ceniza. Así, procura practicar tus ojos y no estropees el azul bueno con el malo...”

“CAPÍTULO CXLVI

De cómo debes pintar vestidos de azul, de oro y de púrpura

Si quieres pintar un vestido azul, ni todo aclarado con blanco, ni todo uniforme, toma tres o cuatro clases de azul de ultramar, que lo hay de varias de ellas, más claro el uno que el otro. Y colorea según las luces de la figura, como te he enseñado. Y lo mismo lo podrás hacer con el supradicho temple en el muro, en seco. Y si no quisieras gastar de estas clases de azul, tómalo del de Alemania. Y si quisieres recamarlo de oro, también lo puedes hacer. Y puedes tocar con un poco de morado en los obscuros de los pliegues y un poco en los claros 77 , resiguiendo con gracia sobre el oro los pliegues. Y estas vestiduras te placerán mucho, especialmente en la figura del Señor Dios.
Y queriendo vestir a Nuestra Señora de púrpura , haz el vestido blanco, sombréalo con un poco de morado claro, que varíe poco del blanco. Recámalo de oro fino y después lo irás repintando y rehaciendo los pliegues con un poco de morado más obscuro. Es hermoso vestido.


77 Se sobreentiende que sea con color más claro, si bien puede tratarse de una veladura de color dada sobre blanco, lo cual da un resultado diferente a causa de que la transparencia del color sobre blanco no es igual que el color mezclado con blanco, que notablemente lo enfria”


Cennino Cennini , Trattato della pittura .

 

 

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Eva Heller PSICOLOGIA DEL COLOR , cómo actúan los colores sobre los sentimientos y la razón. ISBN:978-84-252-2914-5

“9. Azul de ultramar: el color más caro de todos los tiempos

El color más caro de todos los tiempos ha sido el azul de ultramar o azul ultramarino. Aún se produce auténtico azul ultramarino para los amantes de los colores históricos, y el de máxima calidad cuesta 15.200 euros el kilo. ... Este color es dominante porque estas pinturas fueron concebidas como objetos de lujo.... En 1508. Alberto Durero escribió al comerciante y mecenas de las artes Francfort Jacob Heller que le había encargado un altar , contándole cómo había pagado a un tratante por el azul ultramarino que necesitaba para esa obra: "Le he dado doce ducados de arte por una onza de buen ultramarino” .

Durero cambió obras de arte valoradas en doce ducados —equivalente a 41 gramos de oro— por 30 gramos de azul ultramarino. Hoy el oro hace tiempo que no es tan caro como en la época de Durero: si se piensa en la gran necesidad de oro que había entonces para acuñar monedas y en la escasa producción de este metal, el precio equivaldría, lo menos, a diez veces el precio actual del oro. Pero, en aquella época, nadie habría podido comprar un cuadro de Durero por 41 gramos de oro (equivalente a unos miles de euros). Durero era un pintor muy bien pagado, y lo que cambió fueron reproducciones de sus grabados hechos por otros grabadores. Sus grabados originales, que se vendían en los mercados, eran muy caros pero Durero habría dado tres o cuatro por una onza de azul ultramarino. Durero escribió que aquel ultramarino era “bueno” porque lo había de distintas calidades: cuanto más luminoso, más caro. En los pedidos del pintor se especifica la cantidad exacta de ultramarino y la calidad del mismo según las partes de su obra en que iba a emplearlo. Los costes de este color quedaron consignados detalladamente en las cuentas.”

“6. El azul divino Los dioses viven en el cielo. El azul es el color que los rodea: por eso es, en muchas religiones, el color de los dioses . Las máscaras doradas de los faraones tienen el cabello y la barba azules. Es el azul de la piedra semipreciosa llamada lapislázuli, una piedra sagrada. El dios egipcio Anión tiene incluso la piel azul para volar por el cielo sin ser visto. También el dios indio Visnú. que aparece con forma humana como el dios Krishna, tiene la piel azul como signo de su origen celeste . Lo mismo ocurre con el dios Rama . Entre los romanos. Júpiter era el señor del cielo, y azul el color de su reino. Como planeta pertenece en la astrología a la constelación de Sagitario, por eso muchos astrólogos asignan a los nacidos bajo este signo el azul como color típico: como Sagitario dispara sus flechas en el cielo, este color es el ideal. Sobre signos del Zodiaco y colores . En el mundo mediterráneo y en el Próximo Oriente es muy común el amuleto del “ojo mágico”. Se trata de un ojo redondo y estilizado rodeado de azul . Es el ojo de Dios. También se dice que los abalorios azules protegen de todos los males. En muchas iglesias se pintaba la cúpula de azul porque simbolizaba la bóveda celeste. En la religión judía, el cielo es el trono de Yahvé. y consiste en un zafiro. El azul divino y el blanco de la pureza son los colores del sionismo, por eso la bandera de Israel es blanca con una estrella de David de color azul. El azul y el blanco combinados simbolizan en todos los lugares los valores supremos. Es el acorde de —► la verdad. —► el bien y —► la inteligencia.”

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Mi conclusión personal, es que en el siglo XXI todas estas iconografías nos las podemos saltar, y dar rienda suelta a la interpretación libre de cada artista, pero algo documentada o razonada tampoco le bien mal.😄😄😄

Por mi parte de momento lo dejo hasta ese punto, la iconografía del Niño Jesús y de San José en el Nacimiento, la dejo para más adelante, ahora toca subir las imágenes de las figuras de pesebre de los Nacimientos .

Yo sólo puedo subir las fotografiaras que dispongo de mis figuras de pesebre, no las voy a subir todas de golpe, para empezar subo un Nacimiento que realice para la exposición “ La Catalogne invitée du 58ème Salon International des Santonniers d'Arles . 2015”

La Virgen ya se ha recuperado del parto, el Niño Jesús está adormecido y San José pide que no se haga ruido, también hay un silvano catalán arrodillado con su perro pastor d'atura.

naixement_2015_a

 

naixement_2015_b

 



Modificado por Emilio Solé 4/1/2021 18:31




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Pastorcillo

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Interesantísima exposición, Emili.
El nacimiento que compartes es precioso.
Saludos.
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Pastorcillo

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Como estamos ya acostumbrados!, magnífica exposición y recopilación de datos. Una aportación mínima con ocasión de la visita de este año a belenes por Madrid y como curiosidad de ultramar, y referente al tema occidental de la adoración y a La Natividad reformada por el concilio de Trento, hay una representación de las figuras de la Natividad muy interesante y curiosa en el convento de Las Carboneras. Como reza el texto informativo que acompaña al Belén, posiblemente el Nacimiento expuesto más antiguo de Madrid, barroco y Quiteño y modelado a finales del siglo XVI...según comentabas: ..."a finales del siglo XVI escasearon durante algún tiempo los suministradores de azurita,"... en este caso y como es lógico no tuvieron ese problema y otra curiosidad es que tanto la Virgen María como San José están en posición de adoración...
A seguir aportando! y felices Reyes a todos!



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felorz17

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Pastorcillo

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Aunque posterior a los ejemplos que muestras dentro de la segunda versión de la natividad y,

["En el arte occidental de finales de la Edad Media , la Natividad se convierte en una adoración . La Virgen, que según se ve, no ha sufrido, está arrodillada, con las manos unidas ante el Niño desnudo y luminoso, acostado sobre una gavilla de paja o sobre un pliegue de su manto."]

el Niño luminoso,

["A partir de mediados del siglo XV triunfa otra concepción surgida de la primera con toda naturalidad: el foco de luz resulta introvertido: el Niño ya no es más iluminado desde afuera, sino desde adentro, su carne que se ha vuelto fosforescente irradia la luz que deslumbra el rostro extasiado de su madre."...]

el pintor español del Renacimiento Juan Fernández de Navarrete , el Mudo, lo representa de ésta forma (es el primer pintor castellano que abandona las formas acabadas en busca de soluciones pictóricas basadas en la aplicación de la pincelada suelta, el predominio del color sobre el dibujo y el uso dramático de la luz.Wikipedia) en dos cuadros,

"Nacimiento de Cristo" (1578-1579) y “La adoración de los pastores” (1575)

Y traigo de Nuestros belenes imágenes de la interpretación que hice de las pinturas de Navarrete para un belén de 2019 .

 

 

El efecto dramático y fosforescente del Niño, se consigue con figuras de Pech y con un led desde atrás y enterrado.



Modificado por felorz17 15/1/2021 01:06




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